"Nous voulons la vie èternelle"

       Espectros de Artaud. Lenguaje y arte en los años cincuenta
       Museo Reina Sofía, Madrid
       Marta del Castillo Bravo

“Nous voulons la vie èternelle”, así se traduce uno de los cuadros letristas de Maurice Lemaitre (Canallas IV) que componen la exposición de “Espectros de Artaud. Lenguaje y arte en los años cincuenta”, en el Museo Reina Sofía de Madrid. Y qué razón. Pese a no conocer a ninguno de los artistas allí representados, incluso no conocer la vida y obra de Antonin Artaud, uno termina la exposición como si hubiera retrocedido sesenta años atrás y entendiera de primera mano todo el movimiento originado a raíz de la figura de Artaud. Aunque, hay que reconocer, que la exposición se decanta muchísimo más por los artistas franceses que por los estadounidenses y los brasileños, a los que dedica a cada uno poco más de una sala. Desde el primer momento uno ya se da cuenta de que allí dentro habrá poco de racional, puesto que nada más pisar la sala se comienzan a escuchar los gritos de fondo de Gil Wolman o de Maurice Lemaitre mientras se lee detenida y concienzudamente las palabras de Artaud en lo referente a la medicina y el rechazo a sus prácticas, las cuales, según éste, conducen al “estado del Bardo” o charco, una metáfora referida al estado del “no-yo”, es decir, la erradicación de la propia persona. Por si el desconcierto es poco, los cuadros y dibujos que se exponen de Gabriel Pomerand, de Isidore Isou y del ya mencionado Maurice Lemaitre, por una parte recuerdan a dibujos infantiles, y por otra, se asemejan a símbolos o jeroglíficos, y la primera reacción frente a éstos es de “me están tomando el pelo”. Frente a todo este “caos” irracional, si se tiene buen ojo, uno puede hasta divertirse intentando descifrar el código de los cuadros de Lemaitre, entretenerse con los dibujos de Isou de los episodios Antiguo Testamento, encontrar sentido a las formas humanas de los cuadros de Pomerand o descubrir la numerosas alusiones al miembro masculino en los dibujos de Artaud y en algunos otros cuadros de los artistas ya mencionados. Gracias a los carteles de la exposición (me da que sin ellos no se entendería nada) deducimos que éstos artistas pertenecen al movimiento letrista, movimiento vanguardista de posguerra, y que éste no sólo se dio en la disciplina de la pintura, sino que la exposición muestra su influencia en el cine (películas con duración de hora y media, como la que al principio se muestra de Isidore Isou, Lemaitre, Gil Wolman y François Dufrene), que a su vez fue influenciado por las palabras de Artaud: “Por mucho que lo intentemos, el oído siempre oirá el sonido de la sala, mientras que el ojo percibe lo que sucede en la pantalla en un lugar distinto de la sala”, y que, por deducción, pretende la separación del sonido de la imagen. Al margen de todo el movimiento francés, la influencia de Artaud en EE.UU se representa bastante mal en la exposición, puesto que hay mucha escenografía montada pero muy pocos carteles alusivos a ésta, y en Brasil sólo se deduce la influencia de Artaud con respecto a la práctica de los tratamientos psiquiátricos y un movimiento llamado “poesía concreta”. Personalmente, la exposición ganaría más si hubiera estado dedicada exclusivamente al movimiento francés, puesto que hay demasiada información en poco espacio. 

TEMAS DEL CURSO Y BIBLIGRAFÍA.

1)      La obra de arte.

2)      El artista.

3)      La historia del arte.

4)      Crítica de arte.

5)      Estética y Teoría del Arte.

6)      El Museo.

7)      Galería, feria de arte y bienales.

8)      Medios de comunicación y experiencia estética.

9)      Técnica y política: la disolución del aura.

10)  Belleza y lo sublime.

11)  Lo feo y lo siniestro.

12)  El humor y la melancolía.

13)  En torno a la muerte de la pintura.

14)  Huellas fotográficas.

15)  Cuerpo performativo.

16)  Arte y enfermedad.

17)  La violencia contemporánea y el horror descomunal.

18)  La mirada de la Gorgona.

19)  El fenómeno catártico.

20)  Simulacros en la globalización: la inflexión postmoderna.

Bibliografía principal.

JIMÉNEZ, José: Teoría del arte, Ed. Tecnos, Madrid, 2002.

BURKE, Peter: Visto y no visto. El uso de la imagen como documento histórico, Ed. Crítica, Barcelona, 2005.

CLAIR, Jean: Elogio de lo visible, Ed. Seix Barral, Barcelona, 1999.

DEBRAY, Regis: Vida y muerte de la imagen. Historia de la mirada en Occidente, Ed. Paidós, Barcelona, 1994.

DE LA FLOR, Fernando R.: Giro Visual, Ed. Delirio, Salamanca, 2009.

KAPROW, Allan: La educación del des-artista, Ed. Ardora, Madrid, 2007.

MELOT, Michel: Breve historia de la imagen, Ed. Siruela, Madrid, 2010.

SONTAG, Susan: “Un argumento sobre la belleza” en Al mismo tiempo. Ensayos y conferencias, Ed. De Bolsillo, Barcelona, 2008.

Bibliografía general.

ADORNO, Theodor W.: Teoría estética, Ed. Taurus, Madrid, 1980.

ARDENNE, Paul: Un arte contextual. Creación artística en medio urbano, en situación, de intervención, de participación, Ed. CendeaC, Murcia, 2006.

BADIOU, Alain: Pequeño manual de inestética, Ed. Prometeo, Buenos Aires, 2009.

BAJTIN, Mijail: La cultura popular en la Edad Media y el Renacimiento. El contexto de François Rabelais, Ed. Alianza, 1987.

BAL, Mieke: Conceptos viajeros en las humanidades. Una guía de viaje, Ed. CendeaC, Murcia, 2009.

BAXANDALL, Michael: Modelos de intención. Sobre la explicación histórica de los cuadros, Ed. Hermann Blume, Madrid, 1989.

BENJAMIN, Walter: “La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica” en Discurso interrumpidos I, Ed. Taurus, Madrid, 1982.

BENJAMIN, Walter: El origen del drama barroco, Ed. Taurus, Madrid, 1990.

BERGER, John: Algunos pasos hacia una pequeña teoría de lo visible, Ed. Ardora, Madrid, 1997.

BERGER, John y Katya: Tiziano: ninfa y pastor, Ed. Ardora, Madrid, 1999.

BOURDIEU, Pierre: La distinción. Criterios y bases sociales del gusto, Ed. Taurus, Madrid, 1988.

BOURDIEU, Pierre: El sentido social del gusto. Elementos para una sociología de la cultura, Ed. Siglo XXI, Buenos Aires, 2010.

BOYLE, David: Authenticity. Brands, Fakes, Spin and the Lust for Real Life, Ed. Harper Perennial, Londres, 2004.

BÜRGER, Peter: Teoría de la vanguardia, Ed. Península, Barcelona, 1987.

CAMNITZER, Luis: De la Coca-Cola al Arte Boludo, Ed. Metales Pesados, Santiago de Chile, 2009.

CLAIR, Jean: De Inmundo, Ed. Arena, Madrid, 2007.

CROW, Thomas: La inteligencia del arte, Ed. Fondo de Cultura Económica, México, 2000.

DAMISCH, Hubert: El desnivel. La fotografía puesta a prueba, Ed. La Marca, Buenos Aires, 2008.

DIDI-HUBERMAN, Georges: La imagen superviviente. Historia del arte y tiempo de los fantasmas según Aby Warburg, Ed. Abada, Madrid, 2009.

DUBOIS, Philippe: El acto fotográfico, Ed. La Marca, Buenos Aires, 2008.

DUTTON, Dennos: El instinto del arte. Belleza, placer y evolución humana, Ed. Paidós, Barcelona, 2010.

FONTCUBERTA, Joan: La cámara de Pandora. La fotografí@ después de la fotografía, Ed. Gustavo Gili, Barcelona, 2010.

FOSTER, Hal: Diseño y delito, Ed. Akal, Madrid, 2004.

EAGLETON, Terry: La estética como ideología, Ed. Trotta, Madrid, 2006.

ECO, Umberto: Historia de la belleza, Ed. Lumen, Barcelona, 2004.

ECO, Umberto: Historia de la fealdad, Ed. Lumen, Barcelona, 2007.

HEIDEGGER, Martin: Arte y Poesía, Ed. Fondo de Cultura Económica, México, 1958.

GIEDION, Sigfried: El presente eterno. Los comienzos del arte, Ed. Alianza, Madrid, 1985.

GOMBRICH, E.H.: Meditaciones sobre un caballo de juguete. Y otros ensayos sobre la teoría del arte, Ed. Debate, Madrid, 1988.

GONZÁLEZ GARCÍA, Ángel: Arte y terror, Ed. Mudito & Co., Barcelona, 2008.

GRUZINSKI, Serge: La guerra de las imágenes. De Cristóbal Colón a “Blade Runner” (1492-2019), Ed. Fondo de Cultura Económica, México, 1994

GUILBAUT, Serge: Los espejismos de la imagen en los lindes del siglo XXI, Ed. Akal, Madrid, 2009.

JAKOB, Michael: El jardín y la representación, Ed. Siruela, Madrid, 2010.

JAMESON, Fredric: El giro cultural. Escritos seleccionados sobre el posmodernismo 1983-1998, Ed. Manantial, Buenos Aires, 1999.

JAY, Martin: Ojos abatidos. La denigración de la visión en el pensamiento francés del siglo XX, Ed. Akal, Madrid, 2007.

JAY, Martin: Cantos de experiencia. Variaciones modernas sobre un tema universal, Ed. Paidós, Buenos Aires, 2009.

JENKINS, Henry: Convergence Cultura. La cultura de la convergencia de los medios de comunicación, Ed. Paidós, Barcelona, 2008.

JENKINS, Henry: Fans, blogueros y videojuegos. La cultura de la colaboración, Ed. Paidós, Buenos Aires, 2009.

KLIBANSKY, Raymond, PANOFSKY, Erwin y SAXL, Fritz: Saturno y la melancolía, Ed. Alianza, Madrid, 1991.

KRAUSS, Rosalind: Lo fotográfico. Por una teoría de los desplazamientos, Ed. Gustavo Gili, Barcelona, 2002.

MARCHÁN FIZ, Simón: La disolución del clasicismo y la construcción de lo moderno, Ed. Universidad de Salamanca, 2010.

MARCUSE, Herbert: La dimensión estética, Ed. Biblioteca Nueva, Madrid, 2007.

MITCHELL, W.J.T.: Teoría de la imagen, Ed. Akal, Madrid, 2009.

MOXEY, Keith: Teoría, práctica y persuasión. Estudios sobre la historia del arte, Ed. Serbal, Barcelona, 2004.

ORTEGA Y GASSET, José: La deshumanización del arte, Ed. Espasa-Calpe, Madrid, 1997.

PADEL, Ruth: A quienes los dioses destruyen. Elementos de la locura griega y trágica, Ed. Sextopiso, Madrid, 2009.

PANOFSKY, Erwin: Sobre el estilo, Ed. Paidós, Barcelona, 2000.

PERNIOLA, Mario: El arte y su sombra, Ed. Cátedra, Madrid, 2002.

PERNIOLA, Mario: Enigmas. Egipcio, barroco y neobarroco en la sociedad y el arte, Ed. CendeaC, Murcia, 2005.

ROSENKRANZ, Karl: Estética de lo feo, Ed. Julio Ollero, Madrid, 1992.

ROSSET, Clément: Fantasmagorías, seguido de Lo real, lo imaginario y lo ilusorio, Ed. Abada, Madrid, 2008.

SALMON, Christian: Storytelling. La máquina de fabricar mentiras  formatear las mentes, Ed. Península, 2010.

SILVERMAN, Kaja: El umbral del mundo visible, Ed. Akal, Madrid, 2009.

SONTAG, Susan: Contra la interpretación, Ed. Seix Barral, Barcelona, 1984.

SONTAG, Susan: Ante el dolor de los demás, Ed. Alfaguara, Madrid, 2003.

SONTAG, Susan: La enfermedad y sus metáforas. El sida y sus metáforas, Ed. De Bolsillo, Barcelona, 2008.

STOICHITA, Víctor I.: La invención del cuadro. Arte, artífices y artificios en los orígenes de la pintura europea, Ed. Serbal, Barcelona, 2000.

STOICHITA, Victor I.: Simulacros. El efecto Pigmalión de Ovidio a Hitchock, Ed. Siruela, Madrid, 2006.

SZCZEKLIK, Andrzej: Catarsis. Sobre el poder curativo de la naturaleza y del arte, Ed. El Acantilado, Barcelona, 2010.

THORTON, Sarah: Siete días en el mundo del arte, Ed. Edhasa, Barcelona, 2010.

WYSS, Beat: La voluntad de arte. Sobre la mentalidad moderna, Ed. Abada, Madrid, 2010.

ZIZEK, Slavoj: Cómo leer a Lacan, Ed. Paidós, Buenos Aires, 2008.

Arte apalabrada

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"Espectros de Artaud. Lenguaje y arte en los años cincuenta”

Antoine Marie Joseph Artaud comúnmente conocido como Antonin Artaud (Marsella, Francia, 4 de septiembre de 1896 - París, 4 de marzo de 1948) no contento con hacer brillantes sus obras en el mundo de la pintura; destaca también como un excelente poeta, dramaturgo, ensayista, novelista, director escénico y actor francés. No obstante, nos centraremos en esta ocasión en su obra “Lenguaje y arte en los años cincuenta” donde encontramos a un Artaud pintor junto con otra lista de artistas procedentes en su mayoría de Francia, Estados Unidos y Brasil. Algunos de ellos son: Isidore Isou, Yves Klein, Serge de Turville, Guy Debord… Aunque no todos ellos pertenezcan a las mismas fechas, pues fue Artaud el que influyó sobre los anteriormente citados; todos guardan una evidente relación con este arte letrista.

Este trabajo, expuesto en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, no dejará indiferente a nadie, ya sea por la rareza del lenguaje que utilizan los autores para expresar aquello que parecemos no oír con palabras, o por la falta de información producto del idioma en el que hablan los personajes de las proyecciones; francés.

Tenemos ante nosotros decenas de obras repartidas por varias salas, acompañadas siempre con un fondo de voces que hablan, como ya he mencionado anteriormente en la lengua natal de Artaud. Arranca con una pieza de audio, grabada por el propio Artaud, mientras que las siguientes salas están dedicadas al movimiento letrista, reflejado en las pinturas de estos artistas y en las proyecciones, pues se trata de películas de carácter letristas. No solo nos encontramos en esta exposición  proyecciones o pinturas, sino que estas vienen acompañadas de muchos otros géneros artísticos tales como cartas, folletos, revistas, fotografía y un largo etcétera.

Esta exposición no está compuesta solo por obras de Artaud, sino también de otros artistas que están relacionados entre sí, vinculados todos ellos, a los movimientos vanguardistas de mediados del siglo XX. Podemos ver la similitud de sus composiciones, en que en todas aparecen  inscripciones no solo en alfabeto latino, sino también elementos hebreos, arábigos, chino, la primitiva escritura cuneiforme, los jeroglíficos y muchos otros signos inventados que coexisten con las letras y las palabras generalmente escritas en francés, que encontramos en las exposiciones realizadas por los propios artistas.

El fin que ha intentado buscar Antonin Artaud, es acabar con los límites del lenguaje creando un nuevo tipo de escritura en muchas ocasiones inventadas con el mero objetivo de sustituir las palabras por símbolos, figuras, dibujos etc, a lo que llamamos movimiento letrista, creado por uno de los artistas que mayor importancia tiene en esta exposición; ese es Isidore Isou. Le consideramos uno de los más importantes, pues es el pionero de este movimiento del que todos se han ayudado para crear las decenas de obras por las que nos vemos envueltos en cuanto entramos por la puerta de esta sala del Museo de Arte de Reina Sofía.

PALABRAS COLGADAS DE LA PARED

Concepción Balmaseda Gómez-Cabrero

Charles Sandison. Nature Morte. Galería Max Estrella. Madrid.

Antes de ver su obra terminada, Charles Sandison primero debe trabajar preparando complicados programas a partir de algoritmos matemáticos. Son imágenes generadas por ordenador que antes de convertirse en una propuesta visual, han sido comandos integrados en un software creado por el propio artista.

La utilización de la tecnología en al arte es una tentación extremadamente atractiva para buscar nuevas propuestas. Wolf Vostell presentó su primera obra que incorpora un televisor en 1963, pero antes, en 1953, cuando el informalilsmo y el expresionismo abstracto eran las corrientes artísiticas que presidían el momento, se realizó en el Sanford Museum de Cherokee, una muestra de gráficos generados por una máquina electrónica. Los principales iniciadores del arte digital son Robert Mallary, Jhon Landsown, Friede Nake y Charles Csurl, que está considerado como el impulsor de la animación computada. En 1964 creó el primer ordenador de arte.

Charles Sandison continúa por esta línea de aplicación tecnológica y crea en la instalación de la sala Max Estrella, un universo en continuo movimiento, de palabras, signos, conceptos y puntos que forman frases. El observador tiene la sensación de encontrarse en el interior de una disolución química a escala microscópica y que él es una de las moléculas que siguen el movimiento browniano, caótico y silencioso, donde las otras partículas son palabras que evolucionan de distintas formas, a veces creando frases, otras de forma independiente.

El lenguaje es el producto final de la evolución y ahí estamos incluidos nosotros.  De hecho, al espectador le resulta inevitable moverse, para poder contemplar la proyección desde distintos puntos de vista. Desde ese momento, nos convertimos en parte de la obra.  En la pieza central de la exposición, The Birth of Language, donde las letras y palabras proyectadas se salen del propio recinto invadiendo el adyacente, quién entra pasa a formar parte de la composición.

La programación lanza palabras elegidas en un 50% de forma aleatoria, y el otro 50% lo hace siguiendo una pauta premeditada, por lo que resulta complicado encontrar sentido a lo que aparece escrito. Es cuestión de paciencia. La elección que hace Sandison de los textos (del 50% predeterminado) en la instalación de Max Estrella, trata del origen del hombre y de las especies, aparecen frases desmigajadas de la Biblia y del manifiesto comunista de Marx, letras de la primera línea del genoma humano, junto con palabras que forman una calavera (versos escritos en una calavera usada como copa de vino de Lord Byron) que implosiona hasta formar el huevo cósmico que vuelve a expandirse en un nuevo big bang, creando el ciclo del universo pulsante, es todo en conjunto, una invitación a la reflexión. Una prueba de que el arte conceptual, también se puede hacer huyendo de la sencillez y cuidando al máximo cada detalle puramente formal. El resultado es estimulante y estéticamente espectacular.

El propio autor dice de si mismo en una entrevista que le hizo el crítico checo Pavel Bücher: “mi trabajo consiste literalmente en colgar palabras de la pared”. Ciertamente, y lo hace de forma difícil de olvidar.

Objetivo: reflexión.

Irene García Real.

Jonathan Hernández, artista mexicano titulado en Artes Visuales de la Universidad Nacional Autónoma de México y arquitecto, nos presenta su última exposición, La reforma tiene muchas decenas de periódicos, pero ni un solo hombre, dotada de gran sentido crítico, en la galería La Caja Negra de Madrid.

Compuesta por un conjunto de varios montajes fotográficos y una pequeña escultura que representa el libro de Desobediencia Civil de Henry David Thoreau, alrededor del cual está ambientada la exposición, y del que Hernández obtuvo la frase que da título al conjunto, el artista pretende concienciar y hacer reflexionar a todo aquel que desee exponerse ante su obra, a través de imágenes fotográficas de personajes conocidos de nuestro día a día que aparecen mostrando sentimientos, obtenidas de periódicos.

Es frecuente la tendencia a idealizar a aquellas personas que admiramos, creándonos el espejismo de que nada les afecta y sometiéndolos en la mente a una apoteosis divina. En la actualidad mundial, la situación social, política y económica es inestable, y esto afecta sin excepciones a todo aquel individuo que viva en una sociedad, de una u otra manera. Incluso a esas personas que tendemos a divinizar. Hernández utiliza estas imágenes en que la vulnerabilidad del ser humano está presente, haciendo llegar al espectador a la conclusión de que esta crisis mundial es de todos: no sólo de los ciudadanos anónimos, también de los que gozan de la popularidad.

Los conflictos sociales se encuentran tan a la orden del día que ya no nos escandaliza la aparición en los medios de comunicación de guerras y violencia diariamente, incluso mostrando imágenes durísimas que personifican la muerte, alimentando así esa atracción por lo morboso tan característica del ser humano. No se les da la importancia que realmente se merecen estos sucesos, excepto cuando se ven cercanos. A veces es más fácil y cómodo ignorar.

Hernández ha trabajado durante años la crítica a la actualidad del momento en sus obras. A partir del libro de artista Vulnerabilia (ver llover) 2008-2012, nos permite echar un ojo y recordar la situación política, económica y social vivida entre estos años a partir de sus anteriores obras, dándonos la posibilidad de compararla con la que actualmente vivimos.

Si algo llama la atención, es crear composiciones en que políticos aparecen con un gran punto blanco alrededor de sus manos. Los políticos están ahí, en la mayoría de los casos, por haber sido elegidos. Es decir, tienen algo que convenció a la población de que tienen la capacidad para hacer de este, un mundo que merezca la pena. Sin embargo, muchos de ellos se lo han tomado como un juego: como si la bola del mundo fuera simplemente una pelota con la que jugar.   Estamos en sus manos, pero demuestran la poca seriedad que tienen, lo poco que les importa la ciudadanía, y la mucha importancia que le dan al dinero.

Por todas estas razones, el trabajo de Jonathan Hernández es de lo más oportuno y didáctico. Una buena manera de representar la actualidad desde un punto de vista reflexivo.

Creación del orden dentro del caos, ¿o viceversa?

Coral Nieto García

Creación del orden dentro del caos, ¿o viceversa?

Espectros de Artaud. Lenguaje y arte en los años cincuenta.
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Antoni Artaud, autor de la obra de Espectros, se revela con un carácter modernista respecto a los artistas coetáneos de su época, abandonando las estructuras convencionales. En ésta exposición se combinan diferentes disciplinas artísticas: el cine, la pintura, salas sonoras, etc. En las cuales, desde el primer inicio se percibe la falta de cordura que denota la totalidad de la estancia, y profundizando y abarcado aun más en ella, es posible interpretar este montaje como un caótico puzzle, que al fusionar todas sus piezas, se obtiene como producto final la personalidad agresiva y excéntrica de este artista, y de todos aquellos que posaron una especial atención en él.

  Con tal solo dieciséis años es ingresado en un centro psiquiátrico, acto que va a determinar toda su vida. Con una gran pluralidad de estilos, Artaud va a dominar las técnicas del surrealismo, corriente en la que va a perder toda cordura dejando de percibir  los extremos, de lo real a lo  imaginario, de la vida a la muerte y del pasado al futuro.  Posteriormente, va a indagar en otro tipo de representaciones artísticas, el teatro, en ésta inclusión va a mostrar un espíritu agresivo y, va a emprender un camino en busca del impacto violento ante el espectador. En ella libera plenamente al subconsciente quien se revela ante toda razón.  

Posteriormente, Artaud viajó a la India donde abusó de hongos alucinógenos que le causaron un gran desequilibro mental. Su trayectoria artística está marcada por el fracaso y el rechazo social, será sometido a terapias con electrochoque que le provocarán un estallido racional, perdiendo totalmente la cordura, e intentará exteriorizar todo signo de angustia dando un paso más allá del lenguaje habitual, tanto en el sentido oral como en el escrito, a base de sonidos extravagantes en los que emplea elementos incoherentes y, un tanto primitivos, a causa de una voluntad de querer romper con el canon preestablecido de la época. A este artista le maravillaba la idea de percibir la sonoridad de las palabras, sintiendo su ritmo y su cuerpo interno.

Antoni Artaud causará tal impacto que muchos de los artistas de diversas disciplinas van a optar por aferrarse a su estilo, adquiriendo un relevante papel como modelo de la primera mitad del siglo XX. Dicha influencia se exhibe  en la exposición en una totalidad de trescientas obras, manifestándose  principalmente en Brasil con la poesía concreta y geometría expresiva como muestra Lygia Clark , en EEUU con las famosas vanguardias de John Cage ,  y en París donde surge el movimiento letrista, el cual se centra en el valor sonoro de las palabras perdiendo la atención de su significado, tal y como lo concibe François Dufrêne. 

El conjunto de estas corrientes son las que bañan las salas de la exposición, donde las grabaciones de pacientes psiquiátricos nos atormentan con sus voces y nos alinean en su propio contexto .Las paredes anuncian nuevos lenguajes, y películas como la de Isidore Isou, Tratado de baba y eternidad, anuncian  la era de un nuevo cine.

EL ORO DEL MORO

Gloria García Herrero.

Prohibido cantar/no singing (obra didáctica sobre la fundación de una ciudad paradisíaca), Jordi Colomer. Sala: Abierto x Obras, El Matadero.

Jordi Colomer nos  hace una narración de la ciudad de la fundación de Eurofarlete, una ciudad imaginaria, que nos lleva a pensar en la futura ciudad de Euro vegas.

Para ello, recurre a un escenario sorprendente, como la sala frigorífica del Matadero, sin ventanas, oscura y manchada de negro por un incendio, creando un espacio híbrido tanto en el plano físico como mental, preparándote para la intriga.

Ya en el interior, te encuentras frente a 7 pantallas, que proyectan simultáneamente, cada una, un vídeo diferente, y lo repite, de repente, te encuentras en un paisaje desértico y azotada por un cierzo ruidoso, no sabes dónde empieza la historia, y confundida, miras todas a la vez, lo cual te desconcierta hasta que decides  seguir un orden.

Basándose en el proyecto de Gran Escala; una ciudad con 32 casinos, que debía atraer a 25 millones de visitantes y que no se construyó, Colomer filma 6 vídeos dónde los personajes representan diferentes y divertidas escenas en los mismos solares, en los Monegros.

¿Qué motivos nos llevan a construir esta ciudad?

Una ciudad de lata y cartón en la que juegan,  bailan los personajes  que no tienen dinero y que se esfuerzan por hacer cualquier negocio,  todo vale.”Hacer Nada a lo  que uno se pueda agarrar…” “Porque  hay demasiadas cosas…” 

La exposición no te deja indiferente,  aunque te sumerge en un panorama desolador,  el ingenio y  la simbología te hacen  reír.

Los escenarios inestables que se intentan sostener ante  un  viento que todo lo arranca, la exhibición y ventajas del amor,  la comida…la furgoneta, que mira por horas buscando lo posible y lo imposible, personajes que luchan por sobrevivir haciendo del engaño un espectáculo, el esfuerzo y la frustración del músico a quién nadie escucha… da igual el orden, al final todos te llevan a la misma conclusión,  acabamos conducidos  por caminos polvorientos e inhóspitos, como las ovejas por  el pastor.  

La sociedad actual está atravesando una gran crisis, tanto a nivel económico como social y político y podemos llegar  a pensar que cualquier negocio, ejemplo “Ciudad del Juego “nos puede dar esperanzas de renovar nuestra economía, los políticos se han disputado y esforzado por llevarse Eurovegas, tal inversión paliaría el paro en la comunidad de Madrid, para ello les han ofrecido terrenos de escaso valor ¿gratis? Si no se desvanece el proyecto, se sabrá, hoy por hoy no se puede dar crédito a las informaciones. Las expectativas que prometen el oro pueden acabar en la nada.

 Por otro lado, la sociedad española predominantemente católica no ve bien que los políticos lo  justifiquen, basándose en los puestos de trabajo que puede generar, ya que hace tambalear los valores  éticos y morales que sustentan el equilibrio de la iglesia y que debemos salvaguardar.

Esta crítica irónica y desenfadada nos hace reflexionar sobre la oferta de   Sheldon Adelson              me pregunto si es necesario aceptar capital de procedencia dudosa, sin comprometerse a nada, y fomentar el juego la prostitución, y quién sabe, drogas mafias corrupción…