Andrea Patricia Gibbs Hernando
Jordi Colomer expone en el
Matadero de Legazpi de Madrid su obra “Prohibido cantar/ No singing”
Mediante siete proyecciones de
escenas diversas intenta hacer una crítica a ciertos aspectos de la sociedad
actual. Se presenta el inicio de un asentamiento en mitad de la nada con el
propósito de crear una ciudad de juego y entretenimiento absurdo.
En los siete vídeos se ven
distintas escenas de como la fundación de una ciudad del juego que, en un
comienzo parecería que iba a ser un éxito rotundo para conseguir dinero fácil,
a corto plazo, se convierte en un estrepitoso fracaso por la falta de existencia de auténticos valores.
La obra puede verse como si de departamentos estancos
se tratase. Cada uno requiere un tiempo de visionado. Todas se relacionan pero
no siguen un orden determinado.
En cuanto a la exposición, se puede decir que al principio,
capta el interés del público que intenta
sacar sentido a los vídeos y se esfuerza por llegar a comprender la esencia del
mensaje que se quiere transmitir, sin embargo, en mi opinión, se hace difícil
concentrarse por la superposición de los audios que dificultan la observación
de la obra. Además, la duración de
algunos de los videos es muy extensa, llegando a cansar un poco… quizá el
mensaje se ve claro y se capta en un primer momento sin necesidad de visionar
todo el vídeo.
Por otro lado en la penúltima
escena hay una chica semidesnuda sujetando unos carteles escritos a mano con
letra mayúscula, en los que se puede leer: “Prohibido cantar. No singing” –
“Amar. To love” – “Comer. To eat”. Este clip es el más chocante, el que más
llama la atención. Los mensajes no tienen sentido en un contexto de ciudad del
juego y del vicio, una ciudad sin armonía, sin detalle ni gusto por lo estético,
lo que resulta llamativo.
Así mismo el título de la
exposición parece una prohibición al deseo del hombre a expresarse y
comunicarse libremente, que tendría relación con lo que ya he mencionado
sobre la fundación de una nueva
ciudad, sin tener en cuenta ningún valor espiritual o artístico, si no con el
burdo motivo de enriquecimiento material del hombre.
Ana Paticia: solamente has escrito 347.
ResponderEliminarAmplía la crítica hasta las 500 palabras.
Andrea Patricia Gibbs Hernando
ResponderEliminarLa reforma tiene muchas decenas de periódicos, pero ni un solo hombre.
Jonathan Hernández expone en la galería la Caja Negra una clara crítica actual referente al momento de inseguridad política, indignación ciudadana y cansancio de la crisis, que diariamente exponen los medios de comunicación.
Podríamos diferenciar los tipos de cuadros que había en la exposición.
Unos -los que más me gustaron- eran un conjunto de fotografías recogidas de noticiarios y agrupadas en función de los personajes que en ellas aparecen. Es decir, en las fotos no se hallaba ningún contexto, sin embargo, la expresividad corporal y facial de los protagonistas, que variaban entre famosos, deportistas y gente anónima, era el elemento común que daba sentido al mensaje. Se planteaban los sentimientos que a todos nos puede suscitar el grave problema social, tales como la tristeza, la agresividad, la angustia, el cansancio, la debilidad, la decepción…
Había otros cuadros con una temática no muy diferente a la anterior, pero que daban un punto de vista alternativo, casi opuesto. En éstos el factor que unía las fotografías del collage eran los personajes: todos pertenecían al estamento político. Además se encontraban en actitud de diálogo y discusión. Lo llamativo era que en las manos de los líderes y mandatarios aparecía un círculo blanco que a mi parecer, representaba el poder. Daba a entender que estas personas -de distintos signos ideológicos y procedencia- tienen en sus manos el poder suficiente para organizar una solución que pueda dar esperanza a las personas afectadas por la gran crisis.
Otras obras eran composiciones hechas con recortes que incluían no sólo personajes, sino también, paisajes, estadísticas y fotos variadas. En el cuadro Balance (Ibérico II) las fotografías, que estaban agrupadas y unidas con flechas, tenían algún sentido, aun así no era del todo fácil comprender la razón del conjunto del cuadro, y lo mismo me ocurría con Collage sobre madera que, aunque podía vislumbrar cierto significado, no supe evidenciar lo que se definía. Lo que ya no pude “coger” por ningún lado era la moneda antigua clavada en una goma del Museo del Prado.
Pero, en general, la exposición era interesante por el hecho de plantear la situación de crisis económica mediante los recortes de periódicos, los mismos medios que se centran en informarnos con cifras, leyes, acciones políticas, etc… y se olvidan del matiz sentimental que conlleva la crisis. Una paradoja. Pero Jonathan Hernández, con la paciencia que supone reunir todas las fotografías que tengan el mismo gesto de un montón de diarios, nos ha señalado el aspecto más humano y sensible de la caída de la seguridad y confianza en economía y política, tanto por parte de los ciudadanos como de los dirigentes.
El título de la expo nos abre un último debate… todas estas personas representadas sienten mucho lo que sucede, sin embargo, no realizan ninguna reforma real.
Creación de la evolución
ResponderEliminarAndrea Patricia Gibbs Hernando
Charles Sandison expone en la galería Max Estrella Nature Morte.
Realiza una obra visual hecha con cuatro proyecciones diferentes del mismo estilo. Estas vídeo proyecciones tan enérgicas se ven formadas por letras, palabras, palitos… que se encuentran en continúo movimiento y cambio logrando dominar la atención del espectador que se queda mirando con pasmo y encandilamiento durante largo rato. En general trata el tema de la vida, la evolución y la muerte.
La exposición lleva el nombre de Nature Morte, como el título de la segunda proyección del conjunto, que representa calaveras que se van formando con palabras en inglés de muchos colores. Las palabras, desde un origen compacto, se extienden haciendo figuras de cráneos humanos en distintas posiciones y también de distinto nivel evolutivo. En un primer momento no lo entendí, pero ahora con más información respecto a la muestra, lo puedo relacionar con la teoría de la evolución de Darwin y también con la representación de la muerte, como simbolizan las calaveras.
La pieza “Butterfly”, aunque puedas verla como una simple impresión cinética, puede evocar organismos vivos del interior del cuerpo. Se relaciona, a mi parecer, vagamente con el tema de la exposición…
En “Quantum foam” (espuma cuántica) con algunas palabras como magic, pain, new, y otros elementos, se forman corrientes circulares que cambian de color gradualmente, lo que parece simbolizar el constante cambio de la vida que nunca para de moverse.
La obra principal es “On the origin of the species” (Sobre el origen de las especies, nombre que hace alusión al título del libro de Darwin donde se expone su teoría evolutiva) que consta de varias video-instalaciones que proyectan por el techo y las paredes puntos blancos en movimiento que crean palabras. Parecía el firmamento.
Con nuestra existencia sola no podríamos haber creado las lenguas. La evolución humana es lo único que permite este lenguaje tan desarrollado que tiene el ser humano. Nuestra condición de seres humanos hace imposible nuestra existencia sin la capacidad de comunicación.
El escocés Charles Sandison ha realizado más proyecciones digitales en movimiento como las de Nature Morte en muchos edificios emblemáticos de todo el mundo. Entre otros: Musée d’Orsay y Grand Palais en París o el Museo Reina Sofía y el Edificio de Correos en Madrid.
Se aproxima mucho a la línea artística de Jenny Holzer, artista conceptual de origen estadounidense que comienza en los 70 una serie de proyecciones visuales sobre edificios, vallas publicitarias, espacios públicos de valor mediático, que tienen como contenido textos y frases con puro contenido.
La verdad es que creo que en la actualidad existe una moda artística basada en las proyecciones sobre edificios que son realmente un espectáculo placentero para el público, pero Charles Sandison en particular, me parece realmente admirable por haber creado esas proyecciones con un programa de ordenador inventado por él mismo. Hablábamos esta mañana en clase de la obra artística como CREACIÓN del ser humano, algo que en el período medieval no se contemplaba ya que, como pensaba Casiodoro, el único que podía crear era Dios y el hombre solo podía hacer. Pero en el siglo XV sí se asimila el concepto de creación. Pues bien, creo que Charles merece que sus obras sean llamadas creaciones, ya que hasta la herramienta con la que hace arte es hecha por él.
Se presenta en el Museo Reina Sofía en una exposición extensísima basada en el masiliense Antonin Artaud (1896-1948) llamada Espectros de Artaud. Lenguaje y arte en los años cincuenta. En ella, además de presentar sus obras, se reúnen gran cantidad de artistas plásticos, cineastas, poetas, escritores, compositores, psicoanalistas, letristas… procedentes de Francia, Estados Unidos y Brasil especialmente, que siguieron su creación y se inspiraron íntimamente en ella.
ResponderEliminarEl prestar tanto interés a una exposición en la que ni existe ese placer trivial de emocionarse con la belleza de una obra, ni es para nada fácil de entender, nos provoca cierta molestia y enfado, pero al final nos induce a pensar sobre el arte y el artista, y a cuestionarnos ¿A qué llamamos arte y qué es arte?, quizá dos preguntas muy difíciles para una mente tan poco leída como la mía.
De momento la respuesta no crea mas que otras preguntas ¿El factor de lo estético tiene siempre valor en el arte?, es decir, frente a los conceptos de trascendencia, inconsciencia y libertad (tan importantes para Artaud), ¿cuánta importancia tiene la belleza?
Me atrevo a decir que para Artaud nula, porque tanto su obra como las de sus seguidores carecen de ella, pues seguramente para él sería demasiado racional, material, social… y, por tanto, nimio y banal.
Ya que en realidad la galería, con sus más de 300 piezas, analiza su figura, para entender y criticar el tema debemos documentarnos e incidir en su biografía.
Antoine Marie Joseph Artaud fue ingresado durante años en instituciones psiquiátricas, lo cual dice mucho de su personalidad que queda plasmada en su obra.
Experimentó el anacronismo cuando vivió un año en México con los indígenas Tarahumaras.
Su creación se realizó a la vez que la corriente dadaísta y el arte de posguerra se desarrollaban plenamente. Consta de variados soportes: filmes, teatro, dibujo y radio.
En primer lugar estaba interesado por la poesía pero la terminará abandonando por los límites que a ella le encuentra. Su obsesión es la reinvención del lenguaje a fin de hacer que trascienda. Destaca la obra ‘’Pour en finir le jugement de Dieu’’.
Es aquí cuando vemos en la exposición la cantidad de alusiones hechas al letrismo y a Isodre Isou. Además se exponen varios pictograma de Maurice Lemaître.
También se indagó en la fonética (experimentando gritos), en sonidos y en música que inspiró a los artistas estadounidenses David Tudor y Jhon Cage.
Se estudió el teatro, primero montando algunas obras que fracasaron y luego centrándose en la teoría. De esta forma creó el Teatro de la Crueldad en el que se esperaba ver la reacción del público ante acciones violentas. Participó en películas, por ejemplo, ‘’La pasión de Juana de Arco’’.
Por último, influyó en psiquiatras de Brasil como Nise da Silveira a raíz de su libro ‘’Van Gogh le suicidé de la société’’.
Queda claro que este ‘’loco’’ surrealista merece un puesto más destacado en la Historia del Arte por la influencia que tuvo en tantas personas.